Interroger les images contemporaines


Tracer « l’île en anneau » : l’engagement écocritique à travers les films de Haruka Komori, Natsumi Seo, et Ryusuke Hamaguchi

Aya MOTEGI

Cette présentation examinera comment les œuvres cinématographiques japonaises abordent les problèmes sociaux et environnementaux autour de la catastrophe du 11 mars 2011 au Japon.

À cette fin, nous nous référerons au modèle traumatique de « l’île en anneau » créé par la psychiatre japonaise Naoko Miyaji : ce modèle nous permet d’explorer les manières de nous engager dans la situation post-Fukushima en mettant en ordre la « positionnalité » et les interrelations des personnes directement impliquées dans le traumatisme et celles qui ne l’ont pas subi, ainsi que les rôles que chacune d’entre elles peut jouer. Miyaji suggère que le savoir peut contribuer à la formation de l’île en la dépeignant, par exemple, d’un point de vue différent de celui des vues préexistantes.

À travers notre analyse des œuvres de l’équipe duo de la cinéaste Haruka Komori et l’artiste Natsumi Seo, et de Ryusuke Hamaguchi, nous nous demanderons : comment notre propre recherche peut-elle servir au traçage de l’île en anneaux ? En supposant que la lecture écocritique contribue également à la formation de l’île, nous montrons comment une pensée écocritique peut émerger des images, et comment une telle lecture peut ainsi recadrer différemment les enjeux de la catastrophe.

Notice bio-bibliographique

Aya Motegi est doctorante en études cinématographiques à l’École Doctorale 131 de l’Université Paris Cité (Paris 7). Après des études sur le cinéma français contemporain à l’Université de Tokyo (Japon), elle a réalisé un mémoire de master sur l’éco-esthétique de la cinéaste américaine contemporaine Kelly Reichardt à l’Université Paris Cité. Elle travaille actuellement à la théorisation de la spécificité esthétique et narrative du cinéma japonais contemporain dans le contexte de l’écocinéma. Sa thèse, « Slow Violence and Eco-cosmopolitanism in Contemporary Japanese Cinema » sous la co-direction de Martine Beugnet et Diane Arnaud, porte sur la manière dont le cinéma japonais contemporain peut sensibiliser le public à la lente dégradation de l’environnement et aux perturbations écologiques en les rendant perceptibles.


Le ralenti dans les blockbusters hollywoodiens contemporains au personnage principal féminin : un exemple d’articulation entre approches esthétique et gender

Anaëlle Liégeois-de Paz


Lecture du ballet Casta Diva de Maurice Béjart, au prisme de la controverse autour de l’engagement et des “académo-militants”

Wakako Tanabe

Sur la question de l’engagement, Nathalie Heinich et Sartre semblent s’opposer. Selon Sartre, notre choix individuel doit toujours être le bien, non seulement pour nous mais également pour tous, et notre « acte individuel engage toute l’humanité ». Au contraire, Heinich préfère la neutralité, qui s’abstient de toute position politique et morale. En outre, en citant l’article de la géographe Rachele Borghi, militante Queer qui s’engage autour des questions du genre, Heinich dénonce les « académo-militants ». Selon elle, ces derniers confondent une arène académique, scientifique, avec un lieu politique.

Dans le contexte du mouvement woke, elle suggère que les recherches peuvent seulement sensibiliser le public à l’oppression ou à la discrimination contre des collectifs minoritaires ou discriminés comme les femmes et les queers…. Par rapport aux idées de Sartre et Heinich, nous nous demanderons ce que peuvent les recherches en art et re-visiterons l’interprétation du genre et de l’espace queerisé. Nous saisirons notre objet, l’idée de l’androgyne dans Casta Diva de Béjart, à partir de ces lectures genrées. À travers ceballet qui sublime et valorise un tel espace généralement colonisé, nous pouvons prendre conscience de la raison d’être et de la valeur de la minorité.

Notice bio-bibliographique

 Wakako TANABE est diplômée de l’université Sorbonne Nouvelle – Paris 3 (master en Cinéma et audiovisuel mention Très Bien) et licenciée d’histoire de l’art de l’université Paris 1 Panthéon-Sorbonne. Elle est actuellement inscrite en thèse à l’Université Paris 1 Panthéon-Sorbonne et travaille sur « Le ballet de Béjart et le théâtre japonais » sous la direction de Christophe Genin en Arts et sciences de l’art, ED279. En plus de son activité d’enseignement de la langue japonaise, elle a effectué des stages à l’exposition au Palais de Tokyo, au théâtre du Nô et au musée préfectoral.


“Ne soyez plus spectateur, devenez agitateur !” : l’art contemporain après Occupy Wall Street, origine zéro ?

Ingrid Luquet Gad

Avec Occupy Wall Street en 2011, un événement révolutionnaire naît. Les chercheur.ses s’accordent à lui accorder charge de rupture : d’origine zéro. Cette irruption, il faut dès lors la refléter, et l’écriture académique, telle que d’abord issue de la sociologie ou de l’iconologie, est sommée de s’adapter. Émerge alors une activité de co-création d’un genre nouveau, qui embrasse la première personne, s’insère dans une chronologie encore ouverte et renonce au point de vue surplombant. Celle-ci énonce ne « représenter que soi-même » (Manuel Castells) tout en arpentant l’intervalle « entre engagement et analyse critique » (W.J.T. Mitchell).

Pour l’art, la conséquence est d’abord celle d’un aveu d’impuissance. En 2012, il sera énoncé comme tel, depuis les pages des catalogues des grandes manifestations du monde de l’art– Biennale du Whitney ; Biennale de Berlin ; dOCUMENTA. Autour d’elles, les envies de sécession nourrissent les conceptions de l’art comme action directe (Nato Thompson) et ses méthodologies associées de « recherche militante » (Yates McKee). Le paradigme Post-Occupy clos, quel regard porter aujourd’hui sur les méthodologies qu’il aura nourries ? La bulle utopique retombée, ses technologies émancipatrices retournées en instruments d’oppression, faut-il pour autant enterrer, avec ses illusions, également ses outils ?

Notice bio-bibliographique

Ingrid Luquet-Gad est doctorante en première année à l’École des Arts de la Sorbonne (Paris 1 Panthéon-Sorbonne, Institut ACTE) en co-direction avec Paris 8 Vincennes – Saint Denis. Sa thèse, dirigée par Maria Stavrinaki et Yves Citton, porte sur les stratégies d’autonomie dans l’art des années 2010. Critique d’art, elle est en charge de la rubrique art des Inrockuptibles, membre du comité de rédaction et Spike Art Magazine et contributrice régulière aux revues Artforum, Flash Art International ou CURA. Magazine.

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